Taking Eve Kosofsky Sedgwick’s mantra as a starting point, Slavs and Tatars’ summer 2026 seminar „Pluralize and Specify“ focuses on the role of reading as a generative form of making art in a world increasingly hostile to it. For much of its history, reading has been a collective and performative act. For millennia, texts have been recited, delivered to crowds, and experienced as a social body. Only in recent centuries have we become accustomed to understanding reading as a private, individual, and silent act.

In our age of rampant disinformation and increasingly fragmented, molecular attention, “Pluralize and Specify” proposes to reexamine the potential of reading—in a broader sense—to create spaces for social cohesion. How does hospitality function as a discursive but also affective practice? How can the analytical and intimate act of contemporary reading be translated into a phenomenological and public act?

On the occasion of the guest professorship, Slavs and Tatars will curate a small programme of lecture performances at the Extended Library of the HFBK

Die ART SCHOOL ALLIANCE (ASA) ist ein internationales Austauschprogramm für Kunststudierende und Gastkünstler*innen. Ziel ist die Stärkung internationaler künstlerischer Praxis, die Entwicklung künstlerischer Projekte mit vielfältigen Perspektiven und Einflüssen und ein lebendiger Dialog im internationalen Kontext.

Während der Open Studios sind aktuelle künstlerische Arbeiten aller derzeit an der ART SCHOOL ALLIANCE teilnehmenden Künstler*innen im gemeinsam genutzten Atelierhaus zu sehen.

Studierende:
Marija Arakelyan Lucic, Haoyu (Tom) Bian, Michela DiStefano, Jay Ho, Yuwen Huang, Ivan Kizindo, Tomma Köhler, Jan-Niklas Kuhn, Camila Low Tanne, Emma Maiwald, Einav Hana Maler, Charlotte Neidel, Kiek Nieuwint, Ashley Shugart, Kane Tank, Anissa Tavara, Katharina Wanke, Zhenghao Yan, Odille Zexter, Yukuo Zhang, Wenfei Zhao

Artist in Residence:
Ammar Yassir

Clara Palmberger-Süße

Kader Attia u.⁠ ⁠a.

Reading: 13.⁠ ⁠Juni, 15 Uhr

mit Adina Pintilie und Omer Fast

mit Jesko Fezer

mit Anselm Reyle

Link: https://bbb.hfbk.net/rooms/lau-sfd-i3c-jec/join

Im Rahmen seines Vortrags IMAGE AS SYSTEM spricht Jonas Weichsel über zentrale Fragestellungen seiner malerischen Praxis.
Ausgehend von ausgewählten Werkgruppen gibt der Künstler Einblick in seine Arbeitsweise und die Entwicklung seiner Bildsysteme. Im Mittelpunkt stehen dabei Wiederholung, Struktur, Wahrnehmung sowie die Beziehung zwischen digitalen und analogen Bildprozessen.
Anhand seiner Arbeiten untersucht Weichsel, wie Bilder durch minimale Verschiebungen, serielle Verfahren und strukturelle Entscheidungen organisiert werden und wie sich Wahrnehmung innerhalb dieser Prozesse verändert.
Der Vortrag versteht Malerei als eine Form der Bildproduktion, die auf gegenwärtige visuelle Bedingungen reagiert und Fragen nach Materialität, Reproduktion und Bildstabilität verhandelt.

Jonas Weichsel lebt und arbeitet in Frankfurt am Main. Seine Arbeiten wurden unter anderem im Kunstmuseum Bonn, MMK Frankfurt, Josef Albers Museum Bottrop und Oldenburger Kunstverein gezeigt. Er wird von der Galerie Thomas Schulte, Berlin, vertreten.

Auf Einladung der Klasse Jorinde Voigt.

Anna Scalfi Eghenter (Artist) and Valentina Viviani (Assistant Curator, 13.⁠ ⁠Berlin Biennale) in conversation with Nora Sternfeld (Professor of Art Education at HFBK Hamburg) about the project Clearing House / Die Komödie! [The Comedy!]

As part of the 13th Berlin Biennale, artist Anna Scalfi Eghenter realized the installation Clearing House / Die Komödie! [The Comedy!] in 2025 at the former military court building on Lehrter Straße, where Karl Liebknecht was convicted in 1916 for his resistance to the First World War. The title refers to Liebknecht’s exclamation “Die Komödie!” (“The Comedy!”) after the courtroom had been cleared. In the entrance area of the installation, red leaflets swirled through the space — reprints of the pamphlets with which Liebknecht called on workers on May 1, 1916 to refuse the “fratricide” of war.

With Clearing House / Die Komödie! [The Comedy!], Anna Scalfi Eghenter extends this historical and political inquiry into the digital and urban realm. Through a web-based platform, users around the world can enter their own interests, initiatives, needs, and forms of protest. These inputs are translated in real time into cartographic and visual patterns and transmitted back into the Biennale exhibition space. The result is a collective, immaterial cartography of shared concerns that connects local initiatives and experiments with new forms of political and artistic participation.

The event will discuss the relationship between art, activism, and technology, as well as the question of how collective action and solidarity can be organized today beyond the logics of economic exploitation and commodification.

Anna Scalfi Eghenter (*1965) uses artistic practice as a tool for intervening in the laboratory of reality. She holds a PhD in Management Studies from the Essex Business School, an MSc in Sociology from the University of Trento, and MFAs from the National Academy of Dramatic Arts “Silvio d’Amico” and the Academy of Fine Arts of Brera. Her work has been presented internationally, including at the 13th Berlin Biennale, 16th Quadriennale d’arte di Roma, MAMbo – Museo d’Arte Moderna di Bologna, Biennale Democrazia, Kadist, Real Academia de España en Roma, and Palais de la Bourse Brussels.
https://scalfieghenter.com/

The project is supported by the Italian Council Program of the Italian Ministry of Culture.

Mit anschließendem Talk

Hamburger Premiere des neuen Films von Regisseurin und HFBK-Professorin Angela Schanelec.

Leider muss die Veranstaltung krankheitsbedingt entfallen.

Michael Taussig, born in Australia, studied medicine and sociology and conducted anthropological fieldwork in western Colombia. He was a professor of Performance Studies at NYU, then of Anthropology at Columbia University, where he is now emeritus. Together with friends he runs a seminar called “The Mini aaa” focused on the art of writing. His books include The Devil and Commodity Fetishism in South America (1980); Shamanism, Colonialism, and the Wild Man (1987); Mimesis and Alterity (1993); I Swear I Saw This (2011); Field Notebooks. 100 Notes – 100 Thoughts, dOCUMENTA 13 (2011); The Corn Wolf (2015); And the Garden Is You: Essays on Fieldwork, Writingwork, and Readingwork (2024).

Pablo Torres Gómez, born in Colombia, is a PhD candidate in the postgraduate program Being(s). Artistic Research in Transformative Contexts of Health at the HFBK Hamburg. He works as an artistic researcher, sound artist, and anthropologist. He holds a B.A. in Social & Cultural Anthropology and an M.A. in Design & Computation from the Berlin University of the Arts. He is co-curator of the Listening Biennial and a member of the collective ~pes: laboratory for animal dreams. His work has been activated at documenta fifteen, Ars Electronica, TBA21’s Ocean Archive, and Kunstmuseum Stuttgart, among others.

Luise Donschen is a filmmaker, born in East Berlin. She studied European Ethnology in Hamburg and Belgrade, as well as film at the HFBK Hamburg, where she subsequently taught as an artistic staff member in the narrative film department. Her films Casanova Gene (2018), Entire Days Together (2019), and Elle (2021) have been successfully screened at international festivals (including the Berlinale, New York Film Festival, Viennale, and Oberhausen Short Film Festival) and have received numerous awards. Her latest feature film Patty is currently in post-production.

Vortrag von Prof. Dr. Jürgen Müller (Professor für Mittlere und Neuere Kunstgeschichte, TU Dresden): „Fritz Langs Film Metropolis von 1927 und die Idee des Dritten Reiches“

Metropolis ist als ein Meilenstein der Filmgeschichte erachtet worden. Eine brillante Tricktechnik, sowie beeindruckende wie stilbildende Studioarchitekturen einer Megapolis und ein Happy End, bei dem die Arbeiterklasse ins Himmlische Jerusalem einziehen darf – was will man mehr? Der aufwändig produzierte Film ist zunächst beim Publikum durchgefallen. Er hat die UFA ruiniert, aber dem Ruf des Wiener Regisseurs nicht geschadet. Thea von Harbous und Langs Werk ist später sogar der Rang des Weltdokumentenerbes zugesprochen worden. Der Vortrag will der politischen Ikonographie des Films nachgehen und seine Nähe zu rassistischen Ideologien aufweisen. Liest man den Wikipedia-Eintrag und schaut in den von der Berliner Kinemathek erstellten Katalog aus dem Jahre 2010 so stechen die unpolitischen Lesarten ins Auge. Im Unterschied dazu soll der programmatische Charakter des Films deutlich werden, der die Idee eines zukünftigen Reichs der Deutschen enthält, wie es Arthur Moeller van den Bruck in seinem Werk Das dritte Reich schon 1923 entworfen hat.

mit Kader Attia

Online unter: https://bbb.hfbk.net/rooms/lau-mkd-w7b-ba3/join

Jan Eilhardt, Bad Luck, DE 2025, 17:40 Min.

Siri Hammarén, Du sagst, dass du auf der Party bleibst, weil es dir Spaß macht, DE/DK/SE 2026, 27:45 Min

Mina Simendić, The Desirable Device, DE/RS 2026, 17:23 Min.

Zhichao Zhu, 浑浊 (Muddy Waters), DE/CN 2026, 16:51 Min.

Ulla von Brandenburg

Eröffnung: 22.⁠ ⁠Februar, 11 Uhr

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im Rahmen des Gallery Weekend Berlin

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im Rahmen des Gallery Weekend Berlin

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In the realm of all PhD programs of HFBK Hamburg we cordially invite to the conference on the topic of „Representation and Presence“.

What is art doing between representation and presence? What are its performativity and agency? Who speaks? Who acts? What counts as history, as art, as society? Which identities and exclusions are constructed in the process — and which counter-positions emerge?

PhD fellowswill reflect on questions of artistic representation (Darstellung), historical representation, and political representation (Stellvertretung). Contributions may address crises of representation and post-representational approaches in the sciences, the arts, and social movements, or a crisis of presence within the ongoing dynamics of neoliberal transformation and claims to immediacy.

The aim of the event is to initiate a discussion about research projects and to facilitate an exchange among doctoral students at the HFBK Hamburg.

Program:

• 10:00–10:15 Welcome!

• 10:15–11:00: Maria Ignatenko: „The Surface of the Cinematic Work as a Form of Presence“, moderated by Richard Magee

• 11:00–11:45: Pablo Torres Gómez: „Vibratile Grammars for Earthbound Becomings“, moderated by Ruxin Liu

• 11:45–12:30: „Ruxin Liu: I have a friend…“, moderated by Pablo Torres Gómez

• 12:30–13:30: Lunch break

• 13:30–14:15: Helene Kummer: „Animal Bodies Carry Stories“, moderated by Nina Bruchhaus

• 14:15–15:00: Richard Magee: „When Jimmie Durham built a Neolithic VideoTotem in 1988 Derry“, moderated by Maria Ignatenko

• 15:00–15:30: Coffee break

• 15:30–16:15: Michal Baror: „GHOSTING. Ethical Reflections and Artistic Interventions in the ethnographic photographic collection“, moderated by Filipe Lippe

• 16:15–17:00: Filipe Lippe: „To Violate Representation to Liberate the Collective Subject: A Critical Reflection in Times of Negative Expectations“, moderated by Michal Baror

• 17:00–17:45: Nina Bruchhaus: „Wer spricht im Bild? Farbe als Erkenntnisform bei Hilma af Klint“, moderiert von Helene Kummer (in German)

• 18:00: Dinner

Organized by the department of Theory & History and the PhD in Art Practice program.

Auf Einladung von Feministische Filmgruppe HFBK

Symposium anlässlich des Abschieds von Hanne Loreck, Professorin für Kunst- und Kulturwissenschaften, HFBK Hamburg

Programm:

• 11.00 Uhr
  Begrüßung durch Martin Köttering (Präsident der HFBK Hamburg)

  Im Anschluss
  Willkommen und Einführung: Astrid Mania und Bettina Uppenkamp (Professorinnen im Studienschwerpunkt Theorie und Geschichte, HFBK Hamburg)

• 11.30 Uhr
  Susanne von Falkenhausen (Professorin em. für Neuere Kunstgeschichte, Humboldt-Universität zu Berlin)
  Vortrag: „Zur Kunst des Metaphernflechtens“

  Von 1993 bis 2016 war Susanne von Falkenhausen Professorin für Neuere Kunstgeschichte mit Schwerpunkt Moderne am Institut für Kunst- und Bildgeschichte der Humboldt-Universität zu Berlin. Ihre Forschungsschwerpunkte umfassen Kunst, Architektur und Macht seit der Französischen Revolution, die Kunst des 19.⁠ ⁠Jahrhunderts, Geschlechterforschung in der Kunstgeschichte der Moderne, Theorien und Praxen von Repräsentation, Rhetorik und medialer Codierung in der Kunst seit 1945, Fragen der Interdisziplinarität in Kunstgeschichte und Kunstwissenschaft sowie das Verhältnis von Kunstgeschichte zu Cultural- und Visual Studies. Neben akademischen Publikationen verfasst sie auch Rezensionen und Essays in Kunstzeitschriften wie Texte zur Kunst und Frieze, zuletzt insbesondere zu Themen wie Identitätspolitiken der Sichtbarkeit und Zensur in der Gegenwartskunst. Ausgewählte Publikationen: Susanne von Falkenhausen: Praktiken des Sehens im Felde der Macht. Gesammelte Schriften. Hrsg. von Elena Zanichelli, Bettina Uppenkamp et al., Hamburg 2011. Jenseits des Spiegels. Das Sehen in Kunstgeschichte und Visual Culture Studies. Fink: Paderborn 2015. Beyond the Mirror. Seeing in Art History and Visual Culture Studies. transcript: Bielefeld 2020.

• 12.00 Uhr
  Samo Tomšič (Professor für Philosophie und Ästhetik, Hochschule für Bildende Künste Dresden)
  Vortrag: „Wortspiel als Methode“
  
  Samo Tomšič ist Professor für Philosophie/Ästhetik an der Hochschule für bildenden Künste Dresden. Zuvor lehrte er an der Hochschule für bildenden Künste Hamburg sowie an der Akademie der bildenden Künste Nürnberg. Er promovierte in Philosophie an der Universität Ljubljana und war mehrere Jahre am Wissenschaftlichen Forschungszentrum der Slowenischen Akademie der Wissenschaften und Künste tätig, anschließend als wissenschaftlicher Mitarbeiter an der Humboldt-Universität zu Berlin. Er publiziert zur Theorie der Psychoanalyse sowie zu Fragen der politischen Philosophie, der Ästhetik und der Epistemologie. Ausgewählte Publikationen: The Capitalist Unconscious: Marx and Lacan (London: Verso, 2015), The Labour of Enjoyment: Toward a Critique of Libidinal Economy (Berlin: August Verlag, 2019), The Drive of Destruction: Psychoanalysis at the Limits of the Social (in Vorbereitung für 2027).

• 12.30 Uhr
  Jana Pfort (Assistenzkuratorin Hamburger Kunsthalle)
  Vortrag: „Mysterien des Übergangs“
  
  Jana Pfort ist Kunstwissenschaftlerin und Kuratorin. Sie studierte im Master Theorie & Geschichte an der HFBK Hamburg bei Hanne Loreck und Michaela Melián. Seit Abschluss ihres Studiums ist sie als freie Autorin und Kuratorin tätig, unter anderem am Museum für Moderne Kunst Frankfurt und an der Hamburger Kunsthalle. Aktuell arbeitet sie als Assistenzkuratorin an der umfangreichen Gruppenausstellung UNSTABLE MEDIA IN THE 21st CENTURY. Highlights from the Centre Pompidou New Media Collection, einer Kooperation zwischen der Hamburger Kunsthalle und dem Centre Pompidou, die im November 2026 eröffnen wird. Ihre Texte erscheinen unter anderem bei Texte zur Kunst, im Lerchenfeld Magazin der HFBK Hamburg und in diversen Ausstellungspublikationen, zuletzt in Monografien von Edi Hila und Hilka Nordhausen, die sie ebenfalls redaktionell betreute.

• 13.00 Uhr
  Mittagspause

• 14.00
  Eske Schlüters (Künstlerin, Hamburg)
  Vortrag: „Es sieht so aus wie, es ist ungefähr so, oder so ähnlich.“
  
  Eske Schlüters ist eine postkonzeptuell und intermedial arbeitende Künstlerin und Filmemacherin, die recherchebasiert und oftmals kollaborativ arbeitet. In essayistischen Erzählweisen arbeitet sie mit einer Verkomplizierung von Perspektiven. Ein wiederkehrendes Motiv ist die Reflektion von Bildern und deren Wahrnehmungs- und Funktionsweisen und die Frage, auf welche Weise sie Gesellschaften prägen. In der Montage ihrer (Found Footage) Filme interessieren sie jene Verknüpfungen und Räume zwischen Bildern, Tönen und Texten, in denen sich neue Denkansätze, gedankliche Bilder und Dissonanzen bilden, die andere – nicht lineare, unvorhersehbare und widersprüchliche – Erzählungen möglich machen. 2021 erschien ihre Dissertation Alles kann ein Bild von allem sein, die von möglichen und unmöglichen Bildern erzählt, die über das Visuelle hinaus gedacht werden. Im Wechselspiel von Lesen und Um-Schreiben, in dem die Sprache ihre eigene Rolle zu spielen beginnt, wird die Montage der Textelemente selbst zum Argument und die Grenzen zwischen Eigenem und Anderem verwischen. Ihre Arbeiten wurden in Gruppenausstellungen in der Bundeskunsthalle Bonn, im Museum für Gegenwartskunst Siegen, im Frankfurter Kunstverein, im VOX Montréal und im MacLyon, sowie in Einzelausstellungen im Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, Düsseldorf und im Museum für Gegenwartskunst Siegen gezeigt.

• 14.30 Uhr
  Ulrike Gerhardt (Verwalterin der Professur für Kunstdidaktik und Inklusion, Hochschule für Bildende Künste Braunschweig) und Vanessa Gravenor (Künstlerin, Berlin)
  Lecture Performance: „Living in the End of Times with a Mask: A Radioactive Image Reel“ (EN)
  
  Dr. Ulrike Gerhardt ist eine Kunst- und Kulturwissenschaftlerin und Kunstvermittlerin, die sich u.⁠ ⁠a. mit künstlerischer Forschung zu versehrten Ökologien und (nicht-)menschlichen Verletzlichkeiten sowie mit Ansätzen einer inklusiven, geschichtsreflexiven und postdigitalen kulturellen Bildung auseinandersetzt. Sie promovierte zur „Generation Transformation“ – Künstler*innen und Kollektiven, die den Umbruch nach 1989/91 in ihrer Kindheit erlebten (De Gruyter Brill, 2024) und ist seit 2016 Co-Leiterin der Videokunstplattform D’EST (mit S. Husse). Ulrike Gerhardt ist Mitglied des neu gegründeten Forschungsclusters „Futures of Care in Education“ (Arbeitstitel) der Carl von Ossietzky Universität Oldenburg und Universität Bremen. Ihre Veröffentlichungen umfassen u.⁠ ⁠a. Von der Ko-Konstruktion zur Ko-Kreation. Ko-kreative digitale Bildung und Kunstpädagogik in der Postdigitalität (kopaed, 2026, hrsg. mit M. Kaiser/M. Seiler) sowie Differenz und Inklusion in Kunstpädagogik und Kunstvermittlung (i.E., transcript/UTB, hrsg. mit M. Kaiser/N. Ahokas). Seit dem SoSe 2026 verwaltet sie die Professur Kunstdidaktik und Inklusion an der HBK Braunschweig.
  
  Dr. Vanessa Gravenor ist eine in Berlin lebende Künstlerin, Autorin und Forscherin. Ihre künstlerische Forschung untersucht die Nachwirkungen geheimer militärischer Operationen und wie diese in Worte, Bilder und Psychen hineinwirken, die die Wahrnehmung von Geschichte verzerren und verschieben. Ausgehend von der intimen Perspektive der Autofiktion nehmen ihre Arbeiten verkörperte Erfahrung zum Ausgangspunkt und verankern Bildschirmkulturen im Affektiven. Zu den künstlerischen Präsentationen ihrer Arbeiten zählen unter anderem: A.I.R. Gallery, Transmediale Studio, 68.⁠ ⁠Internationale Kurzfilmtage Oberhausen, Lichter Art Award, Kim?, neue Gesellschaft für bildende Kunst, Park Avenue Armory, VISIO: Lo Schermo dell’arte und Galeria Miejska Arsenał. Ihre wissenschaftlichen Texte erschienen in Third Text, n. Paradoxa: Feminist Journal und Rosa Mercedes: Harun Farocki Institut. Ein Teil ihrer abgeschlossenen Dissertation keeping secret: Tracing Artistic Strategies Towards Images at War After the Digital wurde als Artikel unter dem Titel „Roaming Pixels: Clipping the Operative Close-up“ im Artl@s Bulletin (2025) in der Sonderausgabe The Same, But Not the Same veröffentlicht.

• 15.00 Uhr
  Sarah Lehnerer (Künstlerin, Berlin)
  Lesung aus Day Book (2025)

  Sarah Lehnerer ist eine in Berlin lebende Künstlerin. In ihrer medienübergreifenden Praxis verbindet sie Fotografie, Druckgrafik und Text über Verfahren des Journalings, der Recherche sowie einem über Jahre gewachsenen persönlichen Bildarchiv. Ihre Arbeiten experimentieren mit somatischen Erinnerungs- und Übersetzungsprozessen, feministischen Schreibstrategien und Techniken der Polyphonie. Sarah Lehnerer studierte Bildende Kunst an der HFBK Hamburg und der AdBK München sowie im Master in Critical Studies an der AdBK Wien. 2025 schloss sie ihre Dissertation zum Thema „Writing as Artistic Practice“ an der HFBK Hamburg ab, betreut von Hanne Loreck und Maria Muhle. Seit 2017 unterrichtet sie regelmäßig an verschiedenen Kunsthochschulen. Lehnerer wurde unter anderem durch die Studienstiftung des deutschen Volkes, durch das Karl Schmidt-Rottluff Stipendium sowie die Kulturstiftung Bonn gefördert. Ihre Arbeiten wurden in Einzel- und Gruppenausstellungen unter anderem im Kunstverein München, im Kunstverein Göttingen, im Neuen Essener Kunstverein, im im Cabaret Voltaire, im Rahmen der Manifesta 12, sowie im ZKM | Zentrum für Kunst und Medien präsentiert. Seit August 2023 ist sie Teil des Teams von Texte zum Nachdenken.

• 15.15 Uhr
  Kaffeepause

• 16.00 Uhr
  Eran Schaerf (Künstler und Autor, Berlin)
  Lesung: „Kombination mit schaitaan“
  
  Eran Schaerf lebt in Berlin und Brüssel. Zu seinen jüngeren Projekten zählen „Only Six Can Play this Game“ (gemeinsam mit Eva Meyer), präsentiert beim Droste Festival 2020; „Levantinism: The Anachronic Possibilities of a Concept“ (ebenfalls mit Eva Meyer), erschienen 2021 auf bakonline.org; „Blinded in Remembering the Present? Ask Franz“ in der Publikation Hijacking Memory. The Holocaust and the New Right im Haus der Kulturen der Welt, Berlin, 2022; sowie Ein jüdischer Garten, herausgegeben gemeinsam mit Hila Peleg und Itamar Gov, erschienen 2022 im Carl Hanser Verlag. Weitere Projekte umfassen die „Levantine Line Library“ im institut de carton, Brüssel (2022); „The Clay Song“ im Seoul Museum of Art (2022); „Nomadesque“ im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (2023); sowie Gesammeltes Deutsch, erschienen 2023 bei Transversal texts, Wien. 2025 folgten „Student Strike & Amateur Reading“ in Institutional (Self-)Critique. On Art, Teaching and Caring in Times of Urgency, Universität der Künste, Berlin; „Irrtümliche Liebe“ beim Berliner Hörspielfestival sowie „When the Lights Go Out in a West German Talk Show. Ask Max“ in Der grosse Kanton: Rise & Fall of the BRD, Zürich

• 16.30 Uhr
  Judith Raum (Künstlerin, Berlin)
  Vortrag: „Stoffbesprechung. Künstlerische Recherche an Otti Bergers Stoffen für die Architektur der Moderne“
  
  Judith Raum, Künstlerin und Autorin, lebt und arbeitet in Berlin. Ihre Malereien, Installationen und Performances stehen im Spannungsfeld zwischen sozial- und wirtschaftsgeschichtlicher Recherche und der Frage nach den Bedingungen und der Verfasstheit künstlerischer Prozesse. Ihre Arbeit ist interdisziplinär verortet, Prozesse im Atelier und detailgenaue Archivrecherche gehen in ihrer Praxis Hand in Hand. Ihre Installationen thematisieren sozial- und wirtschaftsgeschichtlichen Verflechtungen des textilen Mediums (Textile Territories, 2021, Stiftung Bauhaus Dessau), traditionelle Hierarchien zwischen Handwerk und freien Künsten, tradierte Marginalisierungen weiblicher gestalterischer Arbeit (Hedwig Roth, 2025, Zilberman Berlin) und wirtschaftskolonialen Themen, wie ihre Arbeit harmless entrepreneurs für die diesjährige Manifesta 16 Ruhr. Seit 2017 sind zahlreiche Installationen und Performances zu den Funktionsstoffen der Textilwerkstatt am Bauhaus mit Konzentration auf das Werk der Textilgestalterin Otti Berger entstanden, 2024 gab Judith Raum in Kooperation mit dem Bauhaus-Archiv Berlin die erste umfangreiche Monografie zu Bergers Werk, Otti Berger. Weaving for Modernist Architecture (Hatje Cantz, 2024) heraus.

• 17.00 Uhr
  Vera Tollmann (Wissenschaftliche Mitarbeiterin, Leuphana Universität, Lüneburg)
  Vortrag: „Vom (Un-)Sichtbaren. Dual Use, situierte Ästhetiken und mimetische Verfahren“
  
  Vera Tollmann ist wissenschaftliche Mitarbeiterin am Institut für Kultur und Ästhetik digitaler Medien (ICAM) und Mitglied des Centre for Digital Cultures (CDC) an der Leuphana Universität Lüneburg. Von 2019–2022 war sie wissenschaftliche Mitarbeiterin an der Universität Hildesheim und an der Universität der Künste in Berlin. Als Stipendiatin im Graduiertenkolleg Ästhetiken des Virtuellen an der HFBK Hamburg promovierte sie bei Hanne Loreck zu den Bildpolitiken der Vertikalität in Powers of Ten (1968/77), einem Kurzfilm von Charles und Ray Eames (2020). Eine überarbeitete Fassung erschien 2022 bei Spector Books. Ihre Forschungsinteressen umfassen Theorien der Sichtbarkeit, feministische Technologiekritik, Bildpolitiken der Fernerkundung und AI in digitalen Kulturen.“

10 Briefings, 10 Untersuchungen, 10 visuelle Systeme. Ein aus mehreren Einzelteilen zusammengesetztes visuelles Ganzes erproben und veröffentlichen – mit disziplinierten wie auch undisziplinierten Werkzeugen, Methoden und Formaten des Grafikdesigns. Im Rahmen des von Anja Kaiser betreuten Seminars wurden spezifische Verdauungsprozesse maßgeschneidert konzipiert und Beziehungsgeflechte choreografiert, die auf Kohärenz und Erstarrung hin befragt wurden.

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mit Nora Sternfeld und Franz Wanner

Online, Link wird nach der Anmeldung über tutorinkupaed@hfbk-hamburg.de zugeschickt

mit Jasmin Werner

mit Rajkamal Kahlon

mit Heike Mutter

Online: https://bbb.hfbk.net/rooms/d2o-8po-bkl-07d/join

Albrecht | Wilke, Anna Ley, Karla Zipfel u.⁠ ⁠a.

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Treffpunkt: Sexy Angel, Hans-Albers-Platz
(ab 18 Jahren)

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Eva von Redecker im Gespräch mit Teresa Koloma Beck, Kateryna Mishchenko und Natan Sznaider

Kann man im Krieg noch denken? Auch wo Frieden herrscht, blockiert die kriegerische Parteilichkeit die Abwägung und spaltet Diskurse. Aber wie soll man nicht Partei ergreifen, wo es um das Überleben geht? Für die im Krieg Lebenden stellt sich die Frage ganz anders. Ihr Denken muss permanent mit Tod, Gewalt und Zerstörung rechnen. Ist es möglich, dennoch Frieden vorstellbar zu halten? Oder läuft der Gedanke an Frieden angesichts der realen Umstände Gefahr, eine ausgehöhlte Ruhe ohne jede Gerechtigkeit zu fordern? Auf dem Podium diskutieren disziplinär, geografisch und politisch unterschiedlich verortete Intellektuelle darüber, wie sich dem Recht des Stärkeren auf verschiedenen Stufen der Auseinandersetzung die Stirn bieten ließe.

Öffentliche Veranstaltung, Eintritt frei

Prof. Dr. Teresa Koloma Beck ist Soziologin und hat in Angola, Mosambik, Afghanistan und Deutschland geforscht. 2021 wurde sie als Professorin für Soziologie mit Schwerpunkt Gesellschaftsanalyse und sozialer Wandel an die Helmut-Schmidt-Universität Hamburg berufen. Zuvor war sie Professorin für Soziologie der Globalisierung an der Universität der Bundeswehr München und Senior Fellow am Hamburger Institut für Sozialforschung. In einem aktuellen Forschungsprojekt befasst sie sich mit (Un-)Sicherheitserfahrungen im Kontext Hochschule nach dem 7.⁠ ⁠Oktober 2023 (UNEASE) an der Schnittstelle von (Un-)Sicherheitssoziologie, Critical Security Studies und Alltagssoziologie der Globalisierung.

Kateryna Mishchenko ist Essayistin, Übersetzerin und Kuratorin sowie Fachreferentin bei der Bundeszentrale für politische Bildung für die Ukraine. Sie ist Mitbegründerin der Zeitschrift für Literatur, Kunst und Gesellschaftskritik Prostory und Herausgeberin beim unabhängigen Verlag Medusa. 2015 erschien ihr Buch Ukrainische Nacht / Ukrainian Night / Ukrajinska nitsch. Sie publiziert Essays in internationalen Zeitschriften und Anthologien. Im Jahr 2022/23 war sie Fellow am Wissenschaftskolleg zu Berlin. Bei Suhrkamp erschien 2023 Aus dem Nebel des Krieges. Die Gegenwart der Ukraine und 2025 Geteilter Horizont. Die Zukunft der Ukraine – beide von ihr gemeinsam mit Katharina Raabe herausgegeben.

Prof. em. Dr. Natan Sznaider ist Soziologe und lehrte von 1994 bis 2022 als Professor an der Akademischen Hochschule in Tel Aviv, seit 1996 als Lehrstuhlinhaber. Er unterrichtete an der Columbia University, an der Hebräischen Universität in Jerusalem und der Ludwig- Maximilians-Universität München. Seine zentralen Forschungsthemen sind Wissenssoziologie, Politische Theorie, Kosmopolitismus, Antisemitismus und Shoah. Zuletzt erschienen bei Hanser Die jüdische Wunde. Leben zwischen Anpassung und Autonomie (2024) und Fluchtpunkte der Erinnerung. Über die Gegenwart von Holocaust und Kolonialismus (2022). Er erhielt 2024 den Friedenspreis der Geschwister Korn und Gerstenmann-Stiftung und war im Frühjahr Fellow am Hamburg Institute für Advanced Studies (HIAS).

Prof. Dr. Eva von Redecker ist Philosophin und freie Autorin. Von 2009 bis 2019 war sie wissenschaftliche Mitarbeiterin an der Humboldt- Universität zu Berlin und als Gastwissenschaftlerin an der Cambridge University sowie der New School for Social Research in New York tätig. 2020/2021 hatte sie eine Marie-Sklodowska-Curie-Fellowship an der Universität von Verona inne, wo sie zur Geschichte des Eigentums forschte. Sie beschäftigt sich mit Kritischer Theorie, Feminismus, Kapitalismuskritik und Autoritarismus. Im März erschien ihr aktuelles Buch Dieser Drang nach Härte. Über den neuen Faschismus, 2023 der Band Bleibefreiheit (beide im S. Fischer Verlag). Seit dem Sommersemester 2026 ist sie Gastprofessorin für Philosophie an der HFBK Hamburg.

Prateek Vijan u.⁠ ⁠a.

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In der Annahme, dass Sehen ein aktiver Akt ist, beschreibt Pythagoras mit dem „Sehstrahl“ in der griechischen Antike das Auge als Sender, dessen Vektoren die Wirklichkeit abtasten. Sehen ist für ihn eine produzierende Praxis. Die Ausstellung Introducing: The Crumb von Philine Mayr verschiebt diesen Gedanken in einen zeitgenössischen Bildkontext. Sie verhandelt die These, dass Sehen sowohl Erfassen von Welt als auch deren Hervorbringung ist. Damit verändert sich auch der Begriff von Perspektive als Ordnung eines äußeren Raums hin zu einer Projektion aus dem Inneren der Sehenden. 

Die künstlerische Praxis von Mayr tastet die Bedingungen der Bildentstehung ab und untersucht, welche ästhetischen Entscheidungen Bilder hervorbringen und wie formale Kriterien deren Wahrnehmung bestimmen. Ihre Arbeiten beruhen auf der malerischen Auseinandersetzung mit einem wachsenden fotografischen Archiv. Oft sind es konkrete Bildausschnitte, denen sie sich in einer Mischung aus konzeptionell strukturiertem und „sehendem“ Vorgehen nähert. Im Fokus steht dabei die Untersuchung, wie Licht die Konstruktion und Wahrnehmung von (räumlicher) Sichtbarkeit und Körperlichkeit strukturiert.

In Introducing: The Crumb geht Mayr von einer spekulativen Setzung aus: Von einem festgelegten, unzugänglichen Punkt inmitten einer Säule an der äußeren Ecke des Ausstellungsraums erscheint das Auge als Projektionsapparat, vergleichbar mit einem Beamer, von dem aus sich Bilder in den Raum einschreiben. Die zentrale Arbeit, The Crumb (2026), erscheint so als Projektion eines inneren Bildes. Mayr denkt die physische Leinwand als durchlässige Bildoberfläche, hinter der sich die Bildinhalte verzerrt, verschoben und perspektivisch gebrochen an den Wänden des Raums fortsetzen. 

Die Ausstellung verhandelt neben dem Verhältnis von Produktion, Rezeption und Illusion auch die Übersetzung zwischen Analogem und Digitalem, die unter anderem im 16:9-Format der Leinwand sichtbar wird. Angetrieben von einer auf einen Bildkern gerichteten Suchbewegung zerlegt Mayr die zentrale Arbeit der Ausstellung in ihre Bestandteile: Fläche, Farbe, Motiv. Die Wandmalereien gehen aus einer aktiven Reduktion hervor, in der Farbe reduziert und Plastizität zurückgenommen wird. Wenn das Auge als projizierend gedacht wird, lassen sie sich auch als Rückstände innerer Bilder lesen. Sie sind Fragmente dessen, was aus dem Inneren nach außen projiziert wird, ohne jemals vollständig zur Deckung zu kommen.