HFBK

The HFBK Hamburg cordially invites you to the presentation of the 2026 Finkenwerder Art Prize to Otobong Nkanga and the Finkenwerder Encouragement Prize of the HFBK Hamburg to Leyla Yenirce, followed by the opening of the exhibition. Speakers include Nawina Walker (Site Manager, Airbus Operations GmbH), Adolf Fick (Kulturkreis Finkenwerder e.V.), and Martin Köttering (President, HFBK Hamburg).

About the Awardees:
With solo exhibitions at MoMA New York, the Tate Modern in London, and the Musée d’Art Moderne de Paris, Otobong Nkanga (born in 1974 in Kano, Nigeria) is undoubtedly one of the most renowned artists of our time. Her international significance is underscored not least by her participation in the current 61st Venice Biennale.

In her first solo exhibition in Hamburg, Otobong Nkanga focuses on two key research-based works. Contained Measures of a Kolanut is a multimedia installation exploring the cultural history of the Nigerian kola nut and its global influence. With the modular spatial installation Tsumeb Fragments, Nkanga offers a multifaceted account of The Green Hill mine in Tsumeb, Namibia, and how the hill has been irrevocably transformed since the sustainable extraction of various minerals from the soil by the Ovambo for their own use was supplanted by industrial mining under German colonial rule. Complemented by her impressive tapestries, documentary photographs, and videos, Otobong Nkanga uses this exhibition to create a space for reflection on landscapes, memories, individual consumption patterns, and the shifting of power structures during and after the colonization of the African continent.

Leyla Yenirce (born in 1992 in Qubînê, Kurdistan) earned her master’s degree in 2022 under Jutta Koether at the University of Fine Arts Hamburg. She is currently attracting significant attention in German and international art institutions, including the Landesmuseum Oldenburg, Museum Brandhorst in Munich, and Mudam Luxembourg, and is one of the most distinctive voices of her generation of artists.

Leyla Yenirce presents a large-scale version of her video and sound installationBeing Strong Is Hard. The video alternates between found footage of Kurdish freedom fighters, activists, and journalists and pixelated landscape shots in rapid succession, accompanied by a hard electronic beat. In doing so, the artist relentlessly confronts us with the difficult question: How can one resist military and media dominance and defend freedom? The women Leyla Yenirce depicts here have made their decision. It is immediately apparent that this is a difficult one, with all its implications.

Jasmin Werner

with Martin Boyce

Please register in advance with Martin Boyce. The meeting will take place online. The link will be provided upon registration.

English language offer

Many artists wish their work could “speak for itself” and often feel uneasy about writing or speaking about their practice. However, in today’s art world, there are countless moments when artists must put their thoughts into words—whether for grant applications, residencies, exhibitions, or public talks. These tasks can feel overwhelming: What to emphasize? How to find the right tone?

This is where the workshop led by HFBK graduate and frieze associate editor Chloe Stead comes in. Designed to demystify the process, the workshop equips participants with practical skills to approach writing with confidence and clarity. Through exploring various text types, such as artist statements, bios, and applications, participants will learn to critically assess what works well and what doesn’t. Beyond the external demands of writing, this workshop will highlight how writing can serve as a tool for deeper self-reflection, helping artists better understand their own practice. Writing, too, can be an act of generosity, offering essential context to audiences unfamiliar with contemporary art. By developing their own voice in writing, participants will gain control over how their work is presented and understood, ensuring that their vision reaches both specialist and non-specialist audiences alike.

On request, Chloe will allocate individual time slots following the successful completion of the workshop in which online feedback can be given on the written texts revised on the basis of the newly acquired knowledge.

Chloe Stead graduated from HFBK in 2014 and now works as a Berlin-based art critic and associate editor of frieze. Her writing has appeared in publications such as Artnet, frieze, Mousse and Spike Art Magazine. She also regularly contributes to artist monographs and has taken part in or moderated talks at Damien & the Love Guru, Brussels; Vienna Contemporary; Hamburger Bahnhof, Berlin; Kunstverein Hamburger Bahnhof, Hamburg; and Migros Museum, Zurich.

Registration from May 1, 2026 here.

Chinesische Premiere von „Die Ausstattung der Welt“ (Buch, Regie, Produktion: Susanne Weirich, Robert Bramkamp, D 2023, 99 Min)
Q&A mit Dr. Evelyn Hust (Goethe Institut), Susanne Weirich, Robert Bramkamp 

Eine Veranstaltung in der Reihe „Metabolism, Inorganic Evolution“, kuratiert von Dr. Zichao Zhu

“Art Girls”, ein Film von Robert Bramkamp mit Kunst von Susanne Weirich, Produktion BramkampWeirich GbR, International Film Friends Hamburg, D 2014, 120 Min.

Im Rahmen von “Metabolism: Inorganic Evolution“, kuratiert von Zhichao Zhu

Screening von „Die Ausstattung der Welt“ / „Make Up the World“  (Buch, Regie, Produktion: Susanne Weirich, Robert Bramkamp, D 2023, 99 Min). 

Kuratorenstatement:

Metabolism: Inorganic Evolution
—Robert Bramkamp & Susanne Weirich: Film Showcase and Workshops
Before entering the horizon of artistic practice, objects or props often remain dormant at the dead-ends of functionality or within the redundancies of global supply chains—static entities in a state of “suspended animation” under standardized production. However, in the intertwined practices of Robert Bramkamp and Susanne Weirich, these inorganic bodies are stripped from their mundane routines and transformed into active existences that bridge the boundaries between the material and the biological, fact and fiction. In this context, objects are no longer cold residues of history, but “live participants” undergoing continuous metabolism, self-proliferation, and narrative evolution.
This metamorphosis stems from the deep convergence of two distinct creative logics: Weirich utilizes spatial installations to deconstruct the social coding of matter, employing serial expansion and the fragile transformation of materials to evoke a sense of ritual released during the “disappearance” of physical form—hinting at the displacement of life and the projection of spirit. Meanwhile, Bramkamp penetrates the surface of the object through a “Docu-fiction” cinematic engine, implanting fictional evolutionary genes. By using moving image interventions to blur the threshold between the documentary and the fabricated, he endows standardized industrial products with subjective desire and narrative momentum.
This represents a complementary evolutionary path for the “Object”: Bramkamp drives the
evolutionary soul of the narrative, while Weirich shapes the tactile body of matter. Through film screenings, dialogues, and workshop practices, we will witness how objects transfigure from standardized dead matter on an assembly line into narrative with emotional tension and historical depth. Here, the evolution of the inorganic is no longer a physical accident, but a vitalistic metabolism driven by artistic will, a moving-image experiment on the reconstruction of reality.
Text by Zhichao Zhu

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Angebot in deutscher Sprache

Der Vortrag vermittelt Einblicke in kuratorische Arbeitsweisen und zeigt, welche Möglichkeiten sich daraus für die eigene Praxis ergeben. Dazu gehört auch, dass kuratorische Projekte im Rahmen erfolgreicher Förderungen eine wichtige zusätzliche Einnahmequelle darstellen können.

Anhand konkreter Projekte wird veranschaulicht, wie Ausstellungen als eigenständige Situationen funktionieren und wie Präsentation, Raum und Kontext die Wahrnehmung von Arbeiten beeinflussen. Im Fokus stehen dabei die Ausstellungsreihe fight or flight sowie der Kunstverein Gruppe Gorgone e. V., die aus dem Aufbau eigener Strukturen heraus entstanden sind.

Julie Legouez (*1988 in Viersen) ist Künstlerin und Kuratorin und lebt in Berlin. Sie studierte Bildende Kunst an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee und war Meisterschülerin von Prof. Werner Liebmann. In ihrer medienübergreifenden Praxis beschäftigt sie sich mit Fragen von Macht, Kontrolle und gesellschaftlichen Strukturen. Neben ihrer künstlerischen Arbeit entwickelt sie eigene kuratorische Projekte und Ausstellungsformate.

Anmeldung:
Unter Angabe der eigenen Hochschulzugehörigkeit per Mail an: stenzel@adbk-nuernberg.de
Ein Angebot der Akademie für Bildende Künste Nürnberg.

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Meeting point: Sexy Angel, Hans-Albers-Platz
(18+)

with Rajkamal Kahlon

with Heike Mutter

Online: https://bbb.hfbk.net/rooms/d2o-8po-bkl-07d/join

Deutschsprachiges Angebot
The workshop will be held in German, but you can ask questions in English.

Was sind die Optionen für die Zeit nach dem Studium, um weiterhin in Deutschland zu bleiben und als Künstler*in zu arbeiten? In diesem Workshop wird Sebastian Hoffmann von der Informations- und Beratungsstelle touring artists (https://www.touring-artists.info/) einen Input zu den aufenthaltsrechtlichen Möglichkeiten geben, mit einem Fokus auf den Aufenthalt für freiberufliche Künstler*innen. Zusätzliche Themen werden die Wege zur Niederlassungserlaubnis und Einbürgerung sowie die Mobilität innerhalb der EU sein.

Sebastian Hoffmann koordiniert das touring artists-Beratungsangebot zu den administrativen Regelungen des grenzüberschreitenden Arbeitens im Kulturbereich (alle Sparten) sowie zu Fragen von Visa und Aufenthaltsstatus für Künstler*innen aus Nicht-EU-Ländern. touring artists ist ein Gemeinschaftsprojekt der Internationalen Gesellschaft für Bildende Künste/IGBK, des Internationalen Theaterinstituts/ITI – Zentrum Deutschland und des Dachverbands Tanz.

Anmeldung: Bitte bis 28.⁠ ⁠Mai 2026 unter Angabe der Hochschule an anna.bernlochner@hmt-rostock.de 

Ein Angebot des Career Service der hmt Rostock.

with Nora Sternfeldand Franz Wanner

Online, link will be provided after registration with tutorinkupaed@hfbk-hamburg.de

with Jasmin Werner

Symposium anlässlich des Abschieds von Hanne Loreck, Professorin für Kunst- und Kulturwissenschaften, HFBK Hamburg

Programm:

• 11.00 Uhr
  Begrüßung durch Martin Köttering (Präsident der HFBK Hamburg)

  Im Anschluss
  Willkommen und Einführung: Astrid Mania und Bettina Uppenkamp (Professorinnen im Studienschwerpunkt Theorie und Geschichte, HFBK Hamburg)

• 11.30 Uhr
  Susanne von Falkenhausen (Professorin em. für Neuere Kunstgeschichte, Humboldt-Universität zu Berlin)
  Vortrag: „Zur Kunst des Metaphernflechtens“

• 12.00 Uhr
  Samo Tomšič (Professor für Philosophie und Ästhetik, Hochschule für Bildende Künste Dresden)
  Vortrag: „Wortspiel als Methode“

Samo Tomšič ist Professor für Philosophie/Ästhetik an der Hochschule für bildenden Künste Dresden. Zuvor lehrte er an der Hochschule für bildenden Künste Hamburg sowie an der Akademie der bildenden Künste Nürnberg. Er promovierte in Philosophie an der Universität Ljubljana und war mehrere Jahre am Wissenschaftlichen Forschungszentrum der Slowenischen Akademie der Wissenschaften und Künste tätig, anschließend als wissenschaftlicher Mitarbeiter an der Humboldt-Universität zu Berlin. Er publiziert zur Theorie der Psychoanalyse sowie zu Fragen der politischen Philosophie, der Ästhetik und der Epistemologie. Ausgewählte Publikationen: The Capitalist Unconscious: Marx and Lacan (London: Verso, 2015), The Labour of Enjoyment: Toward a Critique of Libidinal Economy (Berlin: August Verlag, 2019), The Drive of Destruction: Psychoanalysis at the Limits of the Social (in Vorbereitung für 2027).

• 12.30 Uhr
  Jana Pfort (Assistenzkuratorin Hamburger Kunsthalle)
  Vortrag: „Mysterien des Übergangs“

Jana Pfort ist Kunstwissenschaftlerin und Kuratorin. Sie studierte im Master Theorie & Geschichte an der HFBK Hamburg bei Hanne Loreck und Michaela Melián. Seit Abschluss ihres Studiums ist sie als freie Autorin und Kuratorin tätig, unter anderem am Museum für Moderne Kunst Frankfurt und an der Hamburger Kunsthalle. Aktuell arbeitet sie als Assistenzkuratorin an der umfangreichen Gruppenausstellung UNSTABLE MEDIA IN THE 21st CENTURY. Highlights from the Centre Pompidou New Media Collection, einer Kooperation zwischen der Hamburger Kunsthalle und dem Centre Pompidou, die im November 2026 eröffnen wird. Ihre Texte erscheinen unter anderem bei Texte zur Kunst, im Lerchenfeld Magazin der HFBK Hamburg und in diversen Ausstellungspublikationen, zuletzt in Monografien von Edi Hila und Hilka Nordhausen, die sie ebenfalls redaktionell betreute.

• 13.00 Uhr
  Mittagspause

• 14.00
  Eske Schlüters (Künstlerin, Hamburg)
  Vortrag: „Es sieht so aus wie, es ist ungefähr so, oder so ähnlich.“

Eske Schlüters ist eine postkonzeptuell und intermedial arbeitende Künstlerin und Filmemacherin, die recherchebasiert und oftmals kollaborativ arbeitet. In essayistischen Erzählweisen arbeitet sie mit einer Verkomplizierung von Perspektiven. Ein wiederkehrendes Motiv ist die Reflektion von Bildern und deren Wahrnehmungs- und Funktionsweisen und die Frage, auf welche Weise sie Gesellschaften prägen. In der Montage ihrer (Found Footage) Filme interessieren sie jene Verknüpfungen und Räume zwischen Bildern, Tönen und Texten, in denen sich neue Denkansätze, gedankliche Bilder und Dissonanzen bilden, die andere – nicht lineare, unvorhersehbare und widersprüchliche – Erzählungen möglich machen. 2021 erschien ihre Dissertation Alles kann ein Bild von allem sein, die von möglichen und unmöglichen Bildern erzählt, die über das Visuelle hinaus gedacht werden. Im Wechselspiel von Lesen und Um-Schreiben, in dem die Sprache ihre eigene Rolle zu spielen beginnt, wird die Montage der Textelemente selbst zum Argument und die Grenzen zwischen Eigenem und Anderem verwischen. Ihre Arbeiten wurden in Gruppenausstellungen in der Bundeskunsthalle Bonn, im Museum für Gegenwartskunst Siegen, im Frankfurter Kunstverein, im VOX Montréal und im MacLyon, sowie in Einzelausstellungen im Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, Düsseldorf und im Museum für Gegenwartskunst Siegen gezeigt.

• 14.30 Uhr
  Ulrike Gerhardt (Verwalterin der Professur für Kunstdidaktik und Inklusion, Hochschule für Bildende Künste Braunschweig) und Vanessa Gravenor (Künstlerin, Berlin)
  Lecture Performance: „Living in the End of Times with a Mask: A Radioactive Image Reel“ (EN)

Dr. Ulrike Gerhardt ist eine Kunst- und Kulturwissenschaftlerin und Kunstvermittlerin, die sich u.⁠ ⁠a. mit künstlerischer Forschung zu versehrten Ökologien und (nicht-)menschlichen Verletzlichkeiten sowie mit Ansätzen einer inklusiven, geschichtsreflexiven und postdigitalen kulturellen Bildung auseinandersetzt. Sie promovierte zur „Generation Transformation“ – Künstler*innen und Kollektiven, die den Umbruch nach 1989/91 in ihrer Kindheit erlebten (De Gruyter Brill, 2024) und ist seit 2016 Co-Leiterin der Videokunstplattform D’EST (mit S. Husse). Ulrike Gerhardt ist Mitglied des neu gegründeten Forschungsclusters „Futures of Care in Education“ (Arbeitstitel) der Carl von Ossietzky Universität Oldenburg und Universität Bremen. Ihre Veröffentlichungen umfassen u.⁠ ⁠a. Von der Ko-Konstruktion zur Ko-Kreation. Ko-kreative digitale Bildung und Kunstpädagogik in der Postdigitalität (kopaed, 2026, hrsg. mit M. Kaiser/M. Seiler) sowie Differenz und Inklusion in Kunstpädagogik und Kunstvermittlung (i.E., transcript/UTB, hrsg. mit M. Kaiser/N. Ahokas). Seit dem SoSe 2026 verwaltet sie die Professur Kunstdidaktik und Inklusion an der HBK Braunschweig.

Dr. Vanessa Gravenor ist eine in Berlin lebende Künstlerin, Autorin und Forscherin. Ihre künstlerische Forschung untersucht die Nachwirkungen geheimer militärischer Operationen und wie diese in Worte, Bilder und Psychen hineinwirken, die die Wahrnehmung von Geschichte verzerren und verschieben. Ausgehend von der intimen Perspektive der Autofiktion nehmen ihre Arbeiten verkörperte Erfahrung zum Ausgangspunkt und verankern Bildschirmkulturen im Affektiven. Zu den künstlerischen Präsentationen ihrer Arbeiten zählen unter anderem: A.I.R. Gallery, Transmediale Studio, 68.⁠ ⁠Internationale Kurzfilmtage Oberhausen, Lichter Art Award, Kim?, neue Gesellschaft für bildende Kunst, Park Avenue Armory, VISIO: Lo Schermo dell’arte und Galeria Miejska Arsenał. Ihre wissenschaftlichen Texte erschienen in Third Text, n. Paradoxa: Feminist Journal und Rosa Mercedes: Harun Farocki Institut. Ein Teil ihrer abgeschlossenen Dissertation keeping secret: Tracing Artistic Strategies Towards Images at War After the Digital wurde als Artikel unter dem Titel „Roaming Pixels: Clipping the Operative Close-up“ im Artl@s Bulletin (2025) in der Sonderausgabe The Same, But Not the Same veröffentlicht.

• 15.00 Uhr
  Sarah Lehnerer (Künstlerin, Berlin)
  Lesung aus Day Book (2025)

• 15.15 Uhr
  Kaffeepause

• 16.00 Uhr
  Eran Schaerf (Künstler und Autor, Berlin)
  Lesung: „Kombination mit schaitaan“

Eran Schaerf lebt in Berlin und Brüssel. Zu seinen jüngeren Projekten zählen „Only Six Can Play this Game“ (gemeinsam mit Eva Meyer), präsentiert beim Droste Festival 2020; “Levantinism: The Anachronic Possibilities of a Concept“ (ebenfalls mit Eva Meyer), erschienen 2021 auf bakonline.org; „Blinded in Remembering the Present? Ask Franz“ in der Publikation Hijacking Memory. The Holocaust and the New Right im Haus der Kulturen der Welt, Berlin, 2022; sowie Ein jüdischer Garten, herausgegeben gemeinsam mit Hila Peleg und Itamar Gov, erschienen 2022 im Carl Hanser Verlag. Weitere Projekte umfassen die „Levantine Line Library“ im institut de carton, Brüssel (2022); „The Clay Song“ im Seoul Museum of Art (2022); „Nomadesque“ im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (2023); sowie Gesammeltes Deutsch, erschienen 2023 bei Transversal texts, Wien. 2025 folgten „Student Strike & Amateur Reading“ in Institutional (Self-)Critique. On Art, Teaching and Caring in Times of Urgency, Universität der Künste, Berlin; „Irrtümliche Liebe“ beim Berliner Hörspielfestival sowie „When the Lights Go Out in a West German Talk Show. Ask Max“ in Der grosse Kanton: Rise & Fall of the BRD, Zürich

• 16.30 Uhr
  Judith Raum (Künstlerin, Berlin)
  Vortrag: „Stoffbesprechung. Künstlerische Recherche an Otti Bergers Stoffen für die Architektur der Moderne“

Judith Raum, Künstlerin und Autorin, lebt und arbeitet in Berlin. Ihre Malereien, Installationen und Performances stehen im Spannungsfeld zwischen sozial- und wirtschaftsgeschichtlicher Recherche und der Frage nach den Bedingungen und der Verfasstheit künstlerischer Prozesse. Ihre Arbeit ist interdisziplinär verortet, Prozesse im Atelier und detailgenaue Archivrecherche gehen in ihrer Praxis Hand in Hand. Ihre Installationen thematisieren sozial- und wirtschaftsgeschichtlichen Verflechtungen des textilen Mediums (Textile Territories, 2021, Stiftung Bauhaus Dessau), traditionelle Hierarchien zwischen Handwerk und freien Künsten, tradierte Marginalisierungen weiblicher gestalterischer Arbeit (Hedwig Roth, 2025, Zilberman Berlin) und wirtschaftskolonialen Themen, wie ihre Arbeit harmless entrepreneurs für die diesjährige Manifesta 16 Ruhr. Seit 2017 sind zahlreiche Installationen und Performances zu den Funktionsstoffen der Textilwerkstatt am Bauhaus mit Konzentration auf das Werk der Textilgestalterin Otti Berger entstanden, 2024 gab Judith Raum in Kooperation mit dem Bauhaus-Archiv Berlin die erste umfangreiche Monografie zu Bergers Werk, Otti Berger. Weaving for Modernist Architecture (Hatje Cantz, 2024) heraus.

• 17.00 Uhr
  Vera Tollmann (Wissenschaftliche Mitarbeiterin, Leuphana Universität, Lüneburg)
  Vortrag: „Vom (Un-)Sichtbaren. Dual Use, situierte Ästhetiken und mimetische Verfahren“

Vera Tollmann ist wissenschaftliche Mitarbeiterin am Institut für Kultur und Ästhetik digitaler Medien (ICAM) und Mitglied des Centre for Digital Cultures (CDC) an der Leuphana Universität Lüneburg. Von 2019–2022 war sie wissenschaftliche Mitarbeiterin an der Universität Hildesheim und an der Universität der Künste in Berlin. Als Stipendiatin im Graduiertenkolleg Ästhetiken des Virtuellen an der HFBK Hamburg promovierte sie bei Hanne Loreck zu den Bildpolitiken der Vertikalität in Powers of Ten (1968/77), einem Kurzfilm von Charles und Ray Eames (2020). Eine überarbeitete Fassung erschien 2022 bei Spector Books. Ihre Forschungsinteressen umfassen Theorien der Sichtbarkeit, feministische Technologiekritik, Bildpolitiken der Fernerkundung und AI in digitalen Kulturen.

An exhibition by students of the HFBK Hamburg

It’s never love, it’s always work is a group exhibition by students from the photography class at the HFBK that explores the tension between work, love, and migration as part of the Expanded Triennial program of the 9th Hamburg Photography Triennial 2026.

Set against the backdrop of Hamburg as a port city—shaped by the contradictions of the labor movement, economic migration, and international, historically colonial trade—the exhibition weaves together human relationships, economic structures, and social realities. This gives rise to a tapestry of narratives that exists within the tension between its two recurring themes: work and love. Against the backdrop of a present fragmented by social and economic conflicts, the exhibition thus poses the central question: Can the two be separated from one another? And how does the answer to this question affect our personal and collective realities; how does it affect intimacy, relationships, migration, care work, and artistic creation itself?

Collectively developed by the participating students, with the guidance of Özlem Altın.

Supporting Program:

• 06. Juni, 15 Uhr Between Love, Work and Migration, Führung (auf Deutsch) / Guided Tour (in German) 

• June 6, 4–5 p.m., trans*port, Live Interview with Harry Hachmeister

• 06. Juni, 17 Uhr, Between Love, Work and Migration, Führung (auf Englisch) / Guided Tour (in English) 

• June 12, 6–7 p.m., One shot on Love, Work and Migration, Artist Conversation with Tobias Zielony, Enis Maci & artists featured in the exhibition

HFBK boutique, Mönckebergstr. 1 & Satellit Pop-Up-Space Mönckebergstr. 3

It’s Never Love, It’s Always Work—Part II opens in HFBK boutique on June 18, 6pm.

More info

in conversation with Yalda Afsah

Julia Schulze Darup

Unfortunately, the event has to be cancelled due to illness

Michael Taussig, born in Australia, studied medicine and sociology and conducted anthropological fieldwork in western Colombia. He was a professor of Performance Studies at NYU, then of Anthropology at Columbia University, where he is now emeritus. Together with friends he runs a seminar called “The Mini aaa” focused on the art of writing. His books include The Devil and Commodity Fetishism in South America (1980); Shamanism, Colonialism, and the Wild Man (1987); Mimesis and Alterity (1993); I Swear I Saw This (2011); Field Notebooks. 100 Notes – 100 Thoughts, dOCUMENTA 13 (2011); The Corn Wolf (2015); And the Garden Is You: Essays on Fieldwork, Writingwork, and Readingwork (2024).

Pablo Torres Gómez, born in Colombia, is a PhD candidate in the postgraduate program Being(s). Artistic Research in Transformative Contexts of Health at the HFBK Hamburg. He works as an artistic researcher, sound artist, and anthropologist. He holds a B.A. in Social & Cultural Anthropology and an M.A. in Design & Computation from the Berlin University of the Arts. He is co-curator of the Listening Biennial and a member of the collective ~pes: laboratory for animal dreams. His work has been activated at documenta fifteen, Ars Electronica, TBA21’s Ocean Archive, and Kunstmuseum Stuttgart, among others.

Luise Donschen is a filmmaker, born in East Berlin. She studied European Ethnology in Hamburg and Belgrade, as well as film at the HFBK Hamburg, where she subsequently taught as an artistic staff member in the narrative film department. Her films Casanova Gene (2018), Entire Days Together (2019), and Elle (2021) have been successfully screened at international festivals (including the Berlinale, New York Film Festival, Viennale, and Oberhausen Short Film Festival) and have received numerous awards. Her latest feature film Patty is currently in post-production.

Accompanying exhibition to the Frankfurt Poetics Lectures

with Jesko Fezer

with Anselm Reyle

Link: https://bbb.hfbk.net/rooms/lau-sfd-i3c-jec/join

with Adina Pintilie and Omer Fast

The ART SCHOOL ALLIANCE (ASA) is an international exchange program for art students and visiting artists. Its goal is to strengthen international artistic practice, develop artistic projects that incorporate diverse perspectives and influences, and foster a vibrant dialogue within an international context.

During the Open Studios, current artistic works by all artists currently participating in the ART SCHOOL ALLIANCE will be on display in the shared studio house.

Participating students:
Marija Arakelyan Lucic, Haoyu (Tom) Bian, Michela DiStefano, Jay Ho, Yuwen Huang, Ivan Kizindo, Tomma Köhler, Jan-Niklas Kuhn, Camila Low Tanne, Emma Maiwald, Einav Hana Maler, Charlotte Neidel, Kiek Nieuwint, Ashley Shugart, Kane Tank, Anissa Tavara, Katharina Wanke, Zhenghao Yan, Odille Zexter, Yukuo Zhang, Wenfei Zhao

Artist in Residence:
Ammar Yassir

Netzwerkangebot

Wer oder was ist die VG Bild-Kunst? Welche Aufgaben hat sie? Wer kann Mitglied werden und kostet die Mitgliedschaft etwas? Warum sollte ich Mitglied werden und wie kann ich von der VG Bild-Kunst profitiere? Diese und andere Fragen rund um die VG Bild-Kunst beantwortet Ihnen der Vortrag. Dozentin ist Sandra Freischem, Inhouse-Juristin der VG Bild-Kunst. Sie hält regelmäßig Seminare und Workshops zur VG Bild-Kunst, Urheberrecht und angrenzenden Themen.

Sandra Freischem ist Rechtsanwältin und seit 2014 als Unternehmensjuristin für die VG Bild-Kunst in Bonn tätig. Daneben hält sie regelmäßig Vorträge zu den Themen Urheberrecht, Urhebervertragsrecht, Fotografie und Persönlichkeitsrecht sowie VG Bild-Kunst.

Anmeldung ab 1.⁠ ⁠April 2026 über careerservice@hfbk-dresden.de bei Denise Ackermann

ZOOM-Einwahldaten nach Anmeldung per Mail

Ein Angebot des Career Service der HfBK Dresden.

12./26.⁠ ⁠Juni 2026, 14–18 Uhr

Deutschsprachiges Angebot

Viele Kunstwerke und künstlerische Praktiken lassen sich nicht ausschließlich über visuelle Wahrnehmung erfassen, sie benötigen Vermittlung, weitere Informationen, Kontext. Sie benötigen: Text. Dieser sollte Betrachter*innen Zugänge zur Kunst ermöglichen, ihnen aber keinesfalls vorgeben, was sie angesichts eines Werks zu denken oder zu empfinden haben. Ebenso wenig sollte Text, der Kunstwerke flankiert (an der Wand, im Portfolio, in der Pressemitteilung), die Worthülsen eines vermeintlichen Fachjargons reproduzieren – komplexe Inhalte können nach komplexer Sprache verlangen, oft genug sind schwer verständliche Texte aber einfach nur Ausdruck von Bequemlichkeit und unpräzisem Denken.

Künstler*innen tragen Verantwortung für den Text, der ihre Arbeiten begleitet – wenn sie mit denjenigen kommunizieren, die ihn am Ende verschriftlichen, wenn sie ihn selbst formulieren. Im Workshop machen wir uns auf die Suche nach der Sprache, die dem jeweiligen Werk und der jeweiligen Praxis entspricht. Wir präsentieren die eigene Arbeit und gehen in den Austausch miteinander, um die eigene Perspektive zu reflektieren und voneinander zu lernen. Wir analysieren, was einen besonders geglückten „Text zur Kunst“ ausmacht. Wir behalten beim Schreiben und Sprechen verschiedene Zielgruppen im Blick.

Seit Dagrun Hintze Kunstvermittlerin bei der documenta11 war, beschäftigt sie die Frage, welche Sprache einem Kunstwerk angemessen ist. In diesem Zusammenhang experimentiert sie mit verschiedenen Textformaten: Neben Katalogbeiträgen kollaboriert sie auch literarisch mit Künstler*innen – eine Sammlung so entstandener Prosatexte erschien 2019 unter dem Titel „Wer was in welcher Nacht träumte – Erzählungen zu Kunst, Design und Architektur“ im Textem Verlag. Hintze veröffentlicht außerdem Lyrik, Prosa und Theaterstücke und lehrte Interdisziplinäre künstlerische Praxis an der UDK Berlin sowie Creative Writing an der HAW Hamburg.

Anmeldung ab 1.⁠ ⁠Mai 2026 hier.